Paris, Opéra National - Palais Garnier, IL VIAGGIO - Dante Alighieri, IOCO
Paris - Palais Garnier: IL VIAGGIO, DANTE (2022), Oper in einem Prolog und sieben Szenen mit einem Libretto von Frédéric Boyer nach Vita nova und Divina Commedia von Dante Alighieri.
28.03.2025 - Pascal Dusapin: IL VIAGGIO, DANTE (2022), Oper in einem Prolog und sieben Szenen mit einem Libretto von Frédéric Boyer nach Vita nova und Divina Commedia von Dante Alighieri.
Teaser IL VIAGGO - Dante © youtube Opéra National de Paris
EINE REISE IM WAHRSTEN SINNE DES WORTES…
E‘ si raccoglie ne li miei sospiri un sono di pietate
che va chiamando Morte tuttavia:
a lei si volser tutti i miei disiri,
quando la donna mia fu giunta
da la sua crudelitate;
perche ‘l piacere de la sua bieltate,
partendo sé da la nostra veduta,
divenne spirital
bellezza grande, che per lo cielo spande
luce d’amor, che li angeli saluta. (Szene des Giovane Dante / 2. Akt / Auszug)
Das Schwindelerregende von Dante ist in uns…
La Divina Commedia (1307/1321) von Dante Alighieri (1265-1321) erzählt uns von einer Reise, die uns sofort in den „Mittelpunkt unseres Lebens stellt“. Sie bietet mehr als nur eine „Geschichte“, um uns in eine Erfahrung eintauchen zu lassen, deren Möglichkeit sie zunächst und vielleicht im Wesentlichen aufzeigt: Das poetische Material, die Intensität einer Bewegung, den Akt des Sagens als Mittel zum Erreichen und deutet gleichzeitig an, dass sie auf unserer ungewöhnlichen Reise über das Leben von uns allen spricht und dessen Bedeutung erforscht.
Betrachten wir zunächst die Oberfläche des Themas. La Divina Commedia lässt uns durch die Stimme seines Protagonisten eine erstaunliche, halluzinierte, zugleich ereignisreiche, grandiose und introspektive Reise erleben, auf der die Seele gebrochen durch den Verlust der Liebe und dann konfrontiert mit Irrwegen und menschlichem Leid, nach Hoffnung sucht. Dante durchquert Welten, die das moralische Schicksal verschiedener Existenzformen offenbaren und gelangt schließlich zu der Vision eines höchsten Gutes, das das zunächst überwältigende Schicksal verwandelt. Er nennt dies gute „Liebe“ und erweitert ihre metaphysische Bedeutung auf das menschliche Leben: Der Abstieg in die Hölle, das Leiden unter unseren Fehlern, die strahlende Gelassenheit sind die Spiegel unserer Prüfungen und unserer Hoffnung. Obwohl die Inspiration des Werks, das sein Autor „heiliges Gedicht“ nennt, christlich ist, greift sein Thema auf die menschliche Universalität zurück.
Von seiner Oper Il Viaggio, Dante sagt Pascal Dusapin (*1955), um seine Treue zu dieser Inspiration zu kennzeichnen, zweifellos aber auch um anzudeuten, dass es sich bei der Handlung um spirituelle und aktive Spiritualität handelt, dass es ein Drama ist und dass es sich um ein „Operatorium“ handelt. Und das erste Wort des von Frédéric Boyer (*1961) verfasste Librettos wiederholt die Warnung, die Dante am Eingang zum Paradies angebracht hatte: „Wer hören will, läuft Gefahr, sich zu verirren!“ Diese Spannung spiegelt die Ernsthaftigkeit des Gedichts wider, das von einer Reise aus „Notwendigkeit“ und nicht aus Vergnügen spricht. In Il Viaggio, Dante verteidigt die Szene, die zum mentalen Raum geworden ist, das Licht gegen die Dunkelheit, die es bedroht. Um einen sterbenden Körper bilden sich Solidaritäten! Selbst für diejenigen, die leiden, funkelt die Welt weiterhin, wenn auch mit dem schwachen, aber lebendigen Phosphoreszenz-Licht von Glühwürmchen: Das Eintauchen in die Nacht des Schmerzes macht uns empfindlich für das kleinste Licht, lässt uns die Schönheit bewundern, die verschwunden ist und uns nach Visionen sehnen, die uns dazu bringen, sie wiederzufinden. „Nicht ohne Grund marschieren wir der Dunkelheit entgegen“! Dem Frieden des Vergessens, dem Rest des Todes oder den Träumen entgegen. Aber auch einem dunklen Ruf zu gehorchen, der das falsche Licht verscheucht. Verwirrung, Bestürzung derer, die aufwachen und plötzlich die Dunkelheit begreifen, in der sie liegen! Er muss aufstehen, einen Ausweg finden, seine Gedanken ändern. „Hier beginnt La Divina Commedia von Dante aus Florenz“. Das ist ein Anfang, ein Vorsatz, ein Krieg gegen Illusion und Entmutigung, auf Kosten des Unbekannten und verletzender Prüfungen. Wenn wir wüssten, wohin wir gehen, wenn es vorgezeichnet wäre, gäbe es keinen Weg. Wenn wir nicht in schmerzhafte Länder hinabsteigen, wenn wir nicht durch die Ansammlung der Hölle reisten, würden wir mit zerrissenem Herzen weiter wandern. Florenz, die korrupte Stadt, zeigt dass die Hölle kollektiv ist. Wir müssen über das Ausmaß des Bösen nachdenken und den Kanälen der Geschichte folgen, die sich „durch alle dunklen Kreise der Hölle“ erstrecken. Und nachdem wir alles gesehen haben, wenden wir uns davon ab. „Worauf wartest du?“ Gehen wir vorwärts , sagte der intime Virgil oder Publius Vergilius Marot, genannt der Schwan von Mantua (70-19 v. J.C.). Dies ist nicht das, was uns der „Weg des Lebens“ verrät. Das zweite durchquerte Königsreich führt uns auf den aufsteigenden Weg: Es ist der Weg der Reue! Die Qual ist nicht mehr krankhaft. Es drückt sein Bedauern und den Wunsch aus, sein Verhalten zu ändern. Diesmal lobt Dante die Gnade, die es ihm ermöglicht, in die Länder vorzudringen, die nach dem Leben kommen. Er geht den Hang der Erlösung hinauf! Beatrice erscheint ihm und er gelangt in das dritte Reich: Das des transzendenten Lichts, der vita beata, jenseits dessen, was durch Sprache bezeichnet werden kann. Bestrahlt von der Vorsehung, die alles regiert, steht es an der Schwelle des himmlischen Paradieses, reserviert für die Seligen, die aller irdischen Bedingungen entkleidet sind und die von Beatrice nur noch eine Form ist – „in meinen Augen allein ist es nicht das Paradies“ -,das aber seine Wahrheit mitteilt.
Ausgestattet mit seiner Vision kehrt Dante zu seinen anfänglichen Zweifeln zurück, sein erstes Wort in Il Viaggio, Dante, in eine Gewissheit um, die der Engel bestätigt, indem er verlangt, dass er dem höchsten Licht Ehre erweisen soll. Die Liebeserklärung, die er innerlich anflehte: „Sag es ihm, sag es ihm!“, wurde zu freudiger Kraft und zum Imperativ erhalten: „Sag es ihm! Sag es ihm!“ So wird Dante bekannt, im Vita nova (1294) betete er um die Liebe: Sein Gedicht wird die Auserwählte begleiten. Jetzt ist es die Liebe, die ihn zum schreiben einlädt und angesichts seiner Aufgabe, ist es unmöglich sich auszudrücken, somit zweifelt er nicht mehr an seiner Mission. Die Initiationsreise verwandelt den Reisenden! Wer es beginnt, vollendet es nie, denn wer es vollendet: Ist ein Kind. Ein „junger Dante“ folgt in diesem Sinne dem Dante von La Divina Commedia. Indem die Vita nova den Leser in einen Dialog verschmelzt, werden Erinnerungen in die Reise einbezogen und Dante selbst wendet die zeitliche Allgegenwärtigkeit an, die in seinem Gedicht die Chronologie untergräbt und die Seelen aller Epochen koexistieren lässt. Damit unterstreicht er die Kraft der Verklärung, die in der letzten Szene das ganze Wesen erfasst: „Ich sah mich über einem wunderbaren Ort“, sagt Dante, „Mir erschien eine bewundernswerte Vision“, fährt der junge Dante fort. In Il Viaggio, Dante, ist es der Pilger, der sich in seiner Natur verändert, er sieht sich „transhumanisiert“ gemäß dem Neologismus von Dante (transumanar), es ist das Lied, das seine Möglichkeit schafft und wir sind in der Bewegung gefangen, die den Weg öffnet. Beatrice ist gekommen, um uns abzuholen!
Doch der Sinn wird hier nur angekratzt. Und es geht nicht um Aufklärung. Die Oper von Dusapin und Boyer achtet darauf, das Geheimnis, das Dantes Gedicht ausmacht, nicht aufzulösen. Leitet es nicht die Gedanken des Protagonisten in einer unhörbaren Sprache ein, einem sogenannten flüsternden murmeln („mmmmmmm“)? Und durch welches Geheimnis werden wir verstehen, wovon Dante träumt? Diese Reise beginnt mit einem spontanen Wechsel in einen anderen psychologischen Etat. Er lässt uns rutschen, stiehlt uns den Boden unter den Füßen, öffnet Falltüren: „In seinem Traum erscheint der junge Dante, der auch träumt und sich an Visionen erinnert“. Der Unfall, die Ohnmacht, die Visionen, die Vervielfachung der Tiefenebenen…: Der Prolog führt uns aus dem unbewussten Umherschweifen. Verwandelt es in ein Problem und ein Mysterium. Das Unhörbare beginnt sich mit der musikalischen Umsetzung zu artikulieren, wodurch das poetische Sprechen vollendet wird. La Divina Commedia weiht die italienische Musik der Stimme und darin die Kraft der Vokale, von denen Dante sagte, sie seien die Seele und das Band aller Sprache. Er erklärt es nicht! Aber die Vokale sind zumindest insofern orientierend, als dass es ohne sie, wie im Hebräischen und Arabischen, der Leser ist, der den Klang der Buchstaben zuordnen muss, basierend auf der Interpretation dessen, was er liest, während Dante weniger dazu gedacht ist, interpretiert zu werden als „Schreiber“: Sein kreativer Überfluss zielt nur darauf ab, dem zu folgen, was die Liebe ihm diktiert – „Ich bin ein Mann, der merkt, wenn die Liebe in mich einhaucht und wie sie es dem Herzen diktiert, werde ich es deuten“. Die Reise ist also auch diese Vokalisierung, die Klang und Sinn zueinander weckt. Er antwortet auf den Ruf des Zeichens, das von Anfang bis Ende Gestalt angenommen hat: „Um zu sagen Be oder ice“, heißt es im Libretto, wobei „Bice“ der übliche Name von Beatrice ist. Während die Modulationen des Liedes steile und bergige Pfade zeichnen, begründen der Rhythmus und der Reim einen unbesiegbaren Fortschritt. Dante taucht seine Feder in die schwarze Tinte des menschlichen Lebens. Doch obwohl er von Erschütterungen und Misserfolgen zerrissen ist, geht das Lied weiter, angetrieben von dem Bedürfnis nach Licht. Der große Dichter Ossip Mandelstam (1891-1938) brachte diese Berufung auf den Punkt: „Ein Schritt, verbunden mit Atem, gesättigt mit Gedanken“. Dante macht sein „heiliges Gedicht“ zu einer Suche nach Geschwindigkeit, einer kinetischen Reise, um sich aus dem Festgefahrenen zu befreien, Flüssigkeit zu erlangen und mit einem Flug frei von allen Hindernissen zu enden, der in den reinsten Himmel schießt. Dieses Gedicht über den Aufstieg beginnt jedoch mit einem Abstieg in Dunkelheit und Trägheit, als ob der Aufstieg die Prüfung des Abgrunds und klebrigen Bösen erfordern würde. Das muss die Seele wissen! In dieser Notwendigkeit verwickelt, muss der Leser-Hörer seinerseits den Hang der scheinbaren Bedeutung wieder hinaufsteigen: Vermeiden wir es, in die Tiefe des Verständnisses abzurutschen und angesichts des Dunklen den Schleier zu lüften. Der Text ruft überall nach Interpretation, die seinen Sinn freilegt, bis wir in diesem ständigen Ruf hören, dass der verborgene Sinn ganz vor unseren Augen liegt, oder vielmehr in unseren Augen, da er uns sehen lässt. So wie Virgil dem Dante hilft, verdoppelt sich das Buch: Es ist sein eigener Leitfaden. Er beleuchtet unseren Weg! Und dieser Weg führt vom Zeichen zum direkten Sehen. Die Versuchung zum Entschlüsseln, Ausdruck des Wunsches nach Meisterschaft, wird durch Willkommen ersetzt: Das Lied zu hören bedeutet, sich in seine Bewegung einzufügen. Das Bild erhält daher eine wörtliche Bedeutung. Die Metapher sieht! Fiktion sagt die Wahrheit! Der Traum weist den Traum zurück! Dantes Vorstellungskraft, bemerkt Mandelstam, ist nicht allegorisch. Die Überfülle, Gewalt und Präzision der Bilder erzeugen einen Realitätseffekt, der sie „in den Status der Beschreibung“ gleiten lässt, so die Dichterin und Übersetzerin Jacqueline Risset (1936-2014): Dantes poetisches Sprichwort hört nie auf, „die Metapher zu entmetaphorisieren“. Diese Wirkung der Sprache, die den ebenen Unterschied zwischen Bild und Bedeutung aufhebt, bezieht sich letztlich auf die Vision, die im Paradies die prüfende Stimme belohnt: Ein Glanz blendet Dante, überwindet Unterscheidungen, beseitigt Lücken, erhellt alles Unerhörte, das himmlische Musik ausdrückt, dass geistliche Musik symbolisiert, dass poetischer Gesang vermitteln wird.
Aber dieses „unendliche“ Buch, wie Jorge Luis Borges (1899-1986) es beschreibt, um es vor vereinfachenden Interpretationen zu schützen, dieser Kristall mit Tausenden von Facetten, geheimnisvoll geformt, sagt Mandelstam, den Dante selbst in mehreren Bedeutungen lesen möchte, entgeht einer einzigen Lesung. Borges ahnt im Namen einer poetischen Textauffassung das abschließende Eingeständnis der Not. Im Paradies entsteht eine Hölle: Durch die Auflösung seines Ideals im Licht des Empyreums – des ultimativen Himmels, dessen metaphysische Leuchtkraft die des göttlichen Geistes und der Liebe ist – bleibt Dante allein. Die anfängliche Frage der Existenz, „Wo bin ich?“, wird zur Frage der Treue der Auserwählten: „Wo ist sie?“. Wenn die letzten Worte seiner poetischen Trance die Existenz einer göttlichen Ordnung der Dinge bekräftigen, löschen sie nicht die Hypothese eines Leidens aus, das nicht abzuwehren ist. Es ist noch eine andere Lesart möglich, die im letzten Lächeln der Auserwählten zu sehen ist, das er „erhalten“ (sostener: ertragen) kann, wie ein emotionaler Gruß, den der Dichter im Moment des Abschieds von seiner überwältigenden Vision an sich selbst richtet: Sie war erhaben, liebte, träumte, verletzt! Und tatsächlich hat die lange Zeit der Jahrhunderte weder ihre Schönheit verblasst noch ihre freie zukünftige Bedeutung zunichte gemacht.
Denn die Reise hätte keinen Sinn, wenn sie zu Ende wäre. Indem Dante es schreibt, bringt er seine Vision zurück auf die Erde. Und das auf unbestimmte Zeit, denn jede Lektüre, jede literarische, jede Bühne bringt es über seinen theologischen Rahmen hinaus wieder in Gang. Sein Happy End, das im Gegensatz zur Tragödie den Titel La Divina Commedia rechtfertigt, besagt, dass Singen liebevoll ist. Und liebe die Erde, den „kleinen Bereich, der uns so wild macht“, der sich aber vom Himmel aus betrachtet bewegt und unsere Blindheit offenbart. Dante richtet sich immer an die menschliche Gemeinschaft. Der Schwindel aus La Divina Commedia macht die Liebe zur Antwort auf den dreifachen Einwand des Todes, des Leidens und der Dunkelheit der Geschichte. Und Dante der Name eines Geistes, der die Spirale der Hölle zurückdrängt, die heute die Lebenden ansaugt…
IL VIAGGIO - Dante - Aufführung - l’Opéra National de Paris / Palais Garnier - 28.03.2025
Eine Reise bis an das Ende des Lichts…
Von den großen Epen der italienischen Literatur ist La Divina Commedia zweifellos diejenige, die die Komponisten am wenigsten inspiriert hat – wenn wir die zahlreichen Vertonungen über das Leben der italienische Dichterin Francesca da Rimini (1255-1285) und natürlich auch über ihr Werk oder die von Gianni Schicchi aus der Opern-Trilogie Il Trittico (1918) von Giacomo Puccini (1858-1924) ausnehmen -, ein Paradox für jemanden, der Poesie als „eine Musik gesetzte rhetorische Fiktion“ definierte. Wir kennen Franz Liszts (1811-1886) mit seiner Dante-Symphonie, S. 109 (1857) und im lyrischen Bereich hatte die Opéra de Saint-Etienne 2019 die gute Idee, Benjamin Godards (1849-1895) Oper Dante, Op. 111 (1890) auszugraben, die für die Opéra-Comique Paris komponiert worden war. Etwas näher an unser Jahrhundert war die Opéra National de Paris, die im Palais Garnier im Mai 2023 Schauplatz eines großen Balletts von Thomas Adès (*1971): The Dante-Project (2021) war.
Wie Adès lässt sich Dusapin von den drei Lobgesängen der La Divina Commedia inspirieren, auch wie Adès nimmt die Hölle dort einen herausragenden Platz ein. Diese Oper mit einem Prolog und sieben Szenen nach einem Libretto in italienischer Sprache von Boyer zitiert ausführlich Dantes Verse – wir erkennen das berühmte Incipit des ersten Gesangs oder das des dritten Gesangs am Eingang der Hölle: „Lascia ogni speranza, dove entri tu“, gekleidet in einer Musik von gewaltiger und ständiger Anforderung. Der Komponist hatte sich bereits auf das Werk des Sommo poeta gestützt – in La Divina Commedia, inspiriert von drei Auszügen aus Paradiso und insbesondere Passion, das mit einem Zitat aus dem zweiten Gesang der Hölle beginnt. – In Il Viaggio, Dante hält sich der Komponist von Perelà, l’uomo di fumo (2003) so nahe wie möglich an Dantes Prosodie – er beschwört durch die Figur des Giovane Dante auch das Prosometer der Vita Nova herauf – und zeichnet in weniger als zwei Stunden eine faszinierende Synthese des Gedichts, die er nicht versucht, pompös und prätentiös zu illustrieren.
Jede lyrische Adaption eines großen literarischen Werkes geht immer mit einer manchmal drastischen Reduzierung der Vorlage einher, hier mit sechs Sängern, einem Erzähler, einem vierstimmigen Chor und einem Orchester mit etwa vierzig Musikern. Der anfängliche musikalische Fluss versetzt uns sofort in eine qualvolle Atmosphäre, in der die Instrumentalstücke zwischen dunkel und schimmernd wechseln und es Passagen in Recitar Cantando oder sogar Parlando gibt – was die atemberaubende Rolle der Voce die Dannati betrifft, die vollständig improvisiert ist, - während die weiblichen Rollen ständig in den hohen und sehr hohen Tönen gefordert werden. Das Werk schwankt somit zwischen einer Oper der Intrigen und einer Oper der Worte und hebt die kontemplative und allegorische Dimension der Reise hervor, die der gesamten leidenden Menschheit, die Einsamkeit und Unvernunft erfährt, bevor sie die ultimative Ataraxie erlebt. Der Zauber ist total!
Die Inszenierung des deutschen Regisseur Claus Guth ist beispielhaft und lässt uns sofort in eine David Lynch- (1946-2025) artige Kino-Ästhetik eintauchen: Wir sehen einen Mann zwischen Leben und Tod nach einem Autounfall – der durch einen labyrinthartigen Wald führt -, während der Vorhang, der die Szene gelegentlich umgibt, die fragile Schwelle zwischen Leben und Tod symbolisiert. Diese filmische Ästhetik – die Videoprojektionen eröffnen und beenden die Oper – wird durch die bemerkenswerte Beleuchtung des französischen Lichtdesigners Fabrice Kebour noch verstärkt, die durch den Wechsel von Schatten und grellem Licht – das beispielsweise auf den Narratore projiziert wird – Bewegung herruft. Der Regisseur respektiert auch die für Dantes Poesie typische Registermischung: Das Tragische steht neben grotesker Ironie – die Voce die Dannati ist ein hysterischer alter Transvestit und der makabre Tanz, abwechselnd träge und krampfhaft, spielt sich in einer Atmosphäre fahlen Lichts ab, bei der man nicht weiß , ob sie an den Zirkus oder die psychiatrische Anstalt erinnert -. Das Interieur eines reichen bürgerlichen Wohnzimmers – ein wunderschönes mobiles Bühnenbild des schweizerischen Bühnenbildners Étienne Pluss – offenbart durch seine Schiebewände Beatrice, als ob sie aus dem anfangs projizierten Film aufträte und umso mehr den Kontrast verstärkt zur Beschwörung der Hölle, deren verschiedene Kreise mit einer Lakonie von bewundernswerter theatralischer Wirksamkeit heraufbeschworen werden.
Die Besetzung hat sich im Vergleich zur Welturaufführung im Festival in Aix-en-Provence 2022 etwas weiterentwickelt. In der Rolle des Dichters Dante wirkt der dänische Bariton Bo Skovhus trotz seines warmen Timbres und seiner makellosen Integrität in der Darstellung etwas weniger solide als der französische Bariton Jean-Sébastien Bou: Seine Bühnenpräsenz gleicht somit eine Schwäche der Intonation im unteren Register aus! Die deutsche Mezzo-Sopranistin Christel Loetzsch, die bereits in mehreren Festivals in Aix-en-Provence präsent war und in Penthesilea (2015) und Macbeth Underworld (2019) zu hören war, begegnet mit großer Präzision und Leidenschaft der hybriden Stimmlage des Giovane Dante: Ihr prächtiges Mezzo-Timbre erzeugt eine perfekte Illusion. Eine neue Abwechslung: Lucie wird eindrucksvoll von der griechischen Koloratur-Sopranistin Danae Kontora vertreten – und hat Maria Carla Pino Cury aus der Aufführung im Festival in Aix-en-Provence 2022 an nichts zu beneiden… -: Ihr durchscheinendes Timbre und ihre kristallklaren hohen Töne treffen immer ins Schwarze, wie jene von der britischen Sopranisten Jennifer France als Beatrice, die die Rolle bereits 2022 kreiert hatte. Besonders hervorzuheben ist der französische Countertenor Dominique Visse, dessen flötenartige Stimme stets unglaublich frisch bleibt. Er ist auch mit dem zeitgenössischen Repertoire sehr vertraut – er war 1999 im Théâtre du Chatêlet in der Pariser Inszenierung von Outis (1996) von Luciano Berio (1925-2003) zu sehen und faszinierte in der Rolle des Guglielmo – und spielt eine völlig improvisierte Voce dei Dannati, die zwischen Erzählung, Gesang und Schrei oszilliert. Auch die letzten beiden männlichen Rollen wurden neu besetz: Virgil findet in dem amerikanischen Bass- Bariton David Leigh einen deutlich besseren Darsteller als den schüchternen Evan Hughes. Die Verkörperung ist einfach ideal! Was den Narratore des italienischen Bass Giovanni Battista Parodi betrifft, so steht seine tadellose Diktion der bemerkenswerten Leistung von Giacomo Presti in nichts nach.
Im Orchestergraben verteidigt der japanische Dirigent Kent Nagano weiterhin mit Leidenschaft und Präzision diese Oper, die sowohl anspruchsvoll als auch fesselnd ist, dank seiner ständigen Aufmerksamkeit für die Kontraste, die durch eine Partitur von großer ausdrucksstarker Nüchternheit herausgearbeitet werden. Der Chor und das Orchester der Opéra National de Paris ersetzen die Lyoner Kräfte, aber die Exzellenz ist immer noch vorhanden, noch verstärkt durch das effektive elektroakustische System des französischen Elektroakustiker Thierry Coduys, das den Prozess abschließt, diese Aufführung zu einem großartigen Moment des Musiktheaters zu machen… (PMP/05.04.2025)
